作为一部颠覆传统警匪片叙事的暗黑之作，《狗咬狗》以其独特的叙事视角、压抑的氛围营造和深刻的社会隐喻，成为华语电影中不可忽视的存在。影片没有简单划分正义与邪恶，而是将两个身份对立的人 —— 杀手阿伟与警察伟仔，置于 “弱肉强食” 的社会丛林中，通过他们的宿命对决，揭示了底层群体的生存困境与社会规则的残酷本质，引发观众对人性与社会的深度反思。
影片构建的社会图景，充满了压抑与不公，成为角色命运的隐形推手。阿伟来自战乱不断的东南亚小国，从小被犯罪集团掳走，在暗无天日的环境中被训练成只懂杀戮的 “野兽”，他没有名字，没有过去，没有情感，生存是他唯一的目标。这样的设定，隐喻着底层群体在全球化背景下的被剥削与被抛弃 —— 他们如同商品般被交易，在社会边缘挣扎求生，没有尊严，没有希望。而香港警察伟仔的遭遇，则展现了体制内的困境：他坚守正义，却无法保护同伴与家人；他试图通过法律制裁罪恶，却发现暴力是唯一能让他获得慰藉的方式。影片通过两个角色的不同困境，揭示了一个残酷的真相：在失衡的社会规则下，无论是体制内的坚守者，还是体制外的边缘人，都可能被命运推向深渊。
宿命对决是影片的核心叙事线索，却并非简单的善恶对抗。阿伟与伟仔，一个是被训练成野兽的杀手，一个是维护正义的警察，身份的对立让他们注定相遇。但影片没有将他们塑造成绝对的对立面，而是通过细节展现了他们的相似性：两人都失去了亲人，都在孤独中挣扎，都被暴力裹挟着前行。伟仔在追查阿伟的过程中，逐渐被仇恨吞噬，他刑讯逼供、滥杀无辜，从正义的化身沦为暴力的信徒；而阿伟在遇到佩君后，逐渐重拾人性，从只懂杀戮的野兽变成懂得守护的人。这种角色的镜像式转变，打破了传统警匪片的二元对立，暗示着善与恶、正义与邪恶之间的边界并非不可逾越，环境与命运的力量足以改变一个人的本质。
影片的影像风格与主题表达高度契合，强化了社会隐喻的深刻性。导演郑保瑞采用了大量的手持镜头和低照度照明，让影片的画面充满了颗粒感与不安感，仿佛观众也置身于那个混乱无序的世界中。影片中的场景多为废弃工厂、阴暗巷道、拥挤的贫民窟，这些空间既象征着底层群体的生存环境，也暗示着社会的阴暗面。而影片的色彩运用也极具深意，整体色调以暗沉的黑、灰为主，仅在阿伟与佩君相处时出现微弱的亮色，这种色彩对比，既突出了人性微光的珍贵，也暗示着光明在黑暗社会中的稀缺。配乐方面，低沉的电子乐与尖锐的音效交织，营造出紧张压抑的氛围，让观众在观影过程中始终保持着强烈的代入感。
《狗咬狗》的价值，在于它敢于直面社会的阴暗面与人性的复杂性。它没有给出简单的解决方案，而是通过两个角色的悲剧命运，引发观众对社会规则、人性本质与生存意义的思考。影片告诉我们，暴力并非解决问题的方式，仇恨只会让人陷入无尽的循环；而即使在最黑暗的环境中，爱与希望也能成为支撑人们前行的力量。这种对人性与社会的深刻拷问，让《狗咬狗》超越了普通的警匪片范畴，成为一部具有强烈现实意义的暗黑寓言，在多年后依然能引发观众的共鸣与反思。
